«Música de la vieja Europa»

Las “Hespérides”, tres ninfas que cuidaban un maravilloso jardín en un lugar remoto de occidente, han sido desde la Antigua Grecia una referencia cuando se habla del uso de la música para apaciguar las almas. Hesíodo les da el epíteto de “las de voces claras”. Estas tres ninfas custodiaban un jardín-huerto en el que crecían todo tipo de frutales. Entre los más valiosos se encontraban los manzanos, cuyos frutos dorados proporcionaban la inmortalidad a quien los probaba. Se les conoce también como “hijas del atardecer” o “ninfas del oeste”. Tres mujeres que tañían y cantaban a la hora en que el día y la noche se fundían.

Esta es la fuente de inspiración de la que brota “Hespérides”, grupo de reciente creación formado por Zuberoa Aznárez, Gloria Aleza y Edurne Aizpún. Estas tres mujeres, con amplias carreras en el mundo de la música, se caracterizan por su eclecticismo tanto en el gusto como en la práctica musical. Así pues, cada una de ellas reúne la capacidad de interpretar varios instrumentos. Ello, unido al uso de la voz, hace del grupo todo un atractivo en cuanto a diversidad de estilos y colores musicales.

Como si de un jardín amplio y diverso se tratase, el repertorio discurre a través de varios siglos de música en la vieja Europa. De temática religiosa o profana, canción o danza, desde el galaico-portugués, el gaélico o el euskera, la propuesta invita a descorrer el velo de la historia desde nuestros días. Desde el respeto y el conocimiento de la tradición y de la teoría interpretativa, “Hespérides” también busca crear un ambiente mágico a través de la introducción de elementos musicales actuales combinados con reproducciones de instrumentos
que evocan los sonidos de la Antigüedad.

ZUBEROA AZNÁREZ MAULEÓN. Voz, viola de rueda, guitlaud, flauta de pico y traverso.

Ha colaborado con diversas formaciones musicales de muy distintos géneros, tanto en giras internacionales como en grabaciones de estudio. Comienza su andadura musical a los 8 años, estudiando solfeo y flauta travesera en el conservatorio Joaquín Maya de Pamplona. Posteriormente estudia canto lírico, postgrado en voz profesional por la Universidad de Alcalá, Licenciatura en Historia y Diplomatura en Historia del Arte por la Universidad de Navarra. Por su formación desarrolla un especial interés por la música antigua y realiza cursos de interpretación histórica. En 2020 prepara su repertorio basado tanto en la música antigua como en el folklore de diferentes regiones, así como en composiciones propias. Ha grabado y producido tres álbumes como solista y, además, es fundadora de la banda de metal sinfónico “Diabulus in Musica”, grupo referente del género en Europa, con el que ha publicado cinco discos bajo el prestigioso sello Napalm Records.

EDURNE AIZPÚN VÍLCHEZ. Arpa celta, arpa medieval, flautas de pico y traverso.

Es instrumentista y maestra de Educación Primaria y Musical por la UPNA. Inició estudios de Musicología en la Universidad de La Rioja. Su inquietud musical le ha llevado a estudiar flauta travesera y piano. También estudió arpa en el Conservatorio “Pablo Sarasate” de Pamplona. Es miembro del grupo navarro de flamenco fusión “Zorongo” desde hace más de 20 años. Ha participado en la grabación de varios proyectos discográficos con diversas formaciones musicales y ha formado parte de múltiples espectáculos escénicos en los que destaca el encuentro entre diferentes artes (música, danza y literatura). Sus intereses musicales se centran en el flamenco, la música celta y las músicas históricas. Ha participado en directos para RNE y TVE, así como en festivales como la Semana de Música Antigua de Estella, la Semana de Música Antigua de Álava, Música en Segura y Festival de Música antigua Ribera Alta.

GLORIA ALEZA ZARAGOZÁ. Viella, nyckelharpa y rabel.

Instrumentista y cantante versátil, interpreta clásico, rock, música medieval y tradicional de diferentes países con distintos instrumentos de época y tradicionales como el rabel, la nyckelharpa, la zanfona, la viola medieval, el crwth y el violonchelo. Se forma como violonchelista en València y Barcelona. Adquiere formación de música medieval y del Mediterráneo oriental con Paloma Gutiérrez del Arroyo y con Efrén López con quien toca en ocasiones. Ha formado parte de diferentes orquestas y grupos de cámara y toca música de autor, Rock, medieval, tradicional y contemporánea con sus diferentes proyectos musicales: Eixa, Udiva, Rock Road Trio, L´Algaravia, Timpanum, Uqbarnagh y Ølmø. También forma parte del Ensemble Alfonsí y el Ensemble Jota Martínez y colabora con músicos como Mara Aranda y Miquel Pérez Perelló. Se forma como actriz y colabora en espectáculos de danza y teatro con diversas compañías como actriz y cellista. Compagina la actividad interpretativa con la docente, siendo profesora de violonchelo y música de cámara.

PRÓLOGO

El epitafio de Seikilos (Trales, Asia menor, s. I)

Se considera que la canción completa más antigua conservada, con su texto y notación musical es el Epitafio de Sícilo, datado en el siglo I d.C. aunque algunos autores lo consideran anterior, retrotrayendo su antigüedad al siglo II a.C.

Se encontró inscrito en una estela, una columna de mármol colocada sobre la tumba que Sícilo había hecho construir para su esposa Euterpe, en la antigua ciudad helenística de Trales (hoy Aydın en Turquía), a unos 30 kilómetros de Éfeso.

El texto traducido de la canción es el siguiente:

“Mientras vivas, brilla, no sufras por nada en absoluto. La vida dura poco, y el tiempo exige su tributo”.

Además, precediendo a la canción hay una inscripción que dice:

“Soy una imagen de piedra. Sícilo me puso aquí, donde soy por siempre, señal de eterno recuerdo”.

A MARÍA, LA SANTA DAMA

Mariam Matrem Virginem (Llibre Vermell, s. XIV)

El Llibre Vermell de la abadía de Montserrat (Libro Rojo, llamado así por el color de las cubiertas con las que fue encuadernado por última vez, en el siglo XIX) es uno –y quizá el más notable– de los manuscritos hispánicos correspondientes al Ars Nova (siglo XIV). El virelai “Mariam, matrem virginem” es la única pieza a tres voces conservada en el manuscrito.

El texto es un poema mariano original escrito en latín en versos dodecasílabos. El texto de las estrofas tiene carácter de letanía: se abren todas ellas con sendas exhortaciones a la Virgen y a Jesucristo (pareado) y concluyen con una súplica en dos versos concatenados con el estribillo (comparten la misma rima).

Mariam, Matrem
Virginem, Attolite
Ihesum Christum
Extolite concorditer.

Maria, seculi asilum, defende nos,
Ihesu, tutum refugium, exaudinos.
Iam estis nos totaliter diffugium,
totum mundi confugium realiter.

Ihesu, supprema bonitas verissima,
Maria, dulcis pietas gratissima.
Amplissima conformiter sit caritas
ad nos, quos pellit vanitas enormiter.

Alabad a María
Virgen madre.
Alabad a Jesucristo
en concordia.

María santuario de todo el mundo, protégenos.
Jesús, todo nuestro refugio, óyenos.
Tú eres nuestro lugar de refugio,
un seguro y verdadero lugar de salvación.

Jesús suprema bondad, cauce de toda la verdad,
María dulce piedad, gratísima.
Que tu caridad sea tan grande
como enorme es nuestra vanidad.

A que por mui gran Fremosura, cantiga 384 (Alfonso X el Sabio, s. XIII)

“De cómo Santa María llevó al Paraíso el alma de un fraile que había pintado su nombre con tres colores”

A la que por su gran hermosura es llamada Flor de las Flores / le agrada que alaben su nombre más que cualquier otra alabanza.

Esta composición pertenece al célebre manuscrito de las Cantigas de Santa María, escritas en galaicoportugués y en notación musical mensurada en la corte del rey Alfonso X el Sabio durante la segunda mitad del siglo XIII, y primorosamente ilustradas por secuencias de seis viñetas dibujadas y coloreadas por artistas eminentes, hasta el punto de ser llamada por Marcelino Menéndez Pelayo «Biblia estética del siglo XIII». Constituye una de las colecciones de canción monódica más importante de la literatura medieval occidental. De corte trovadoresco y paralitúrgico, se diferencia de la temática abiertamente profana de los trovadores del resto de Europa y de la música sacra de la época.

Se trata de un conjunto de 427 composiciones en honor a la Virgen María. La mayoría son cantigas que cuentan milagros sucedidos con la intervención de la Virgen. La devoción mariana estaba en auge en ese siglo: frailes, clérigos y caballeros en general participaban en ella. El rey alentaba en sus cantigas a poetas y juglares para que dedicaran sus esfuerzos e inspiraciones a la “Santa Dama”.

Alle Psallite cum Luya (Codex Montpellier, s. XIII)

Se trata de un motete anónimo a tres voces de principios del siglo XIII. Está registrado en el Codex Montpellier y se cree que es original de Francia.

La letra se basa en la palabra “Alleluia» que la repite la voz de tenor mientras las otras voces introducen tropos cada vez más largos entre “a”, “ alle» y “luya». Estos tropos son una serie de afirmaciones entusiastas que le dan a la obra un tono de celebración.

DANZAS Y LAMENTOS

Amors me fait conmencier (Teobaldo I de Navarra, s. XIII)

Conde, rey, cruzado y trovador. Cuatro palabras que resumen la vida de Teobaldo I de Navarra y IV de Champagne. Esta sencilla ecuación no debe llevar a equívoco de lo que fue una vida azarosa, interdisciplinar y creativa, al servicio de las armas y de la pluma en pleno s. XIII.

Este rey trovador compuso música para ser cantada con temáticas diversas pero, sin duda, una de las palabras más repetidas y claves en la obra de Teobaldo es Amor. El amor se convierte casi en una forma de vida, en un estado que ennoblece al enamorado a la par que le hace sufrir por un fin inalcanzable. Así dirá:

Amors me fait conmencier une chançon nouvele,
Qu´ele me feut enseignier a amer la plus bele
qui soit el mont vivant c´est la bele au cors gent,
c´est cele dont je chant. Dex m´en doint tel nouvele
qui soit a mon talent car menu et souvent mes cuers por li sautele.

Amor me obliga a empezar una nueva canción
que me enseñará a amar a la más bella
que existe en el mundo viviente.
Es la bella de cuerpo gentil,
es aquella a quien yo canto.
Dios me dé la inspiración a medida de mi deseo
porque muy a menudo mi corazón late por ella.

Saltarello III (Manuscrito de Londres, s. XIV)

Esta danza de origen italiano tiene un carácter vivo que propiciaba que los bailarines realizaran una serie de saltos muy llamativos durante su ejecución. Se trata de una pieza anónima que probablemente fue escrita en el s. XII en un manuscrito toscano. Lo cierto es que fue recogida en el Manuscrito de Londres durante el s. XIV y actualmente se encuentra en la British Library.

Lamento de Tristano y Rotta (Manuscrito de Londres, s. XIV)

Fue a mediados del siglo XII cuando apareció el mito que inspiraría trágicas leyendas amorosas tan conocidas por todos como Romeo y Julieta o Brunilda y Sigfrido. Se trata de la desdichada historia de amor entre Tristán e Isolda, fábula que circuló como parte de la tradición oral y escrita del s. XIII a lo largo y ancho de Europa.

Así es como encontramos alusiones a la misma en España. Buenos ejemplos son los recogidos en las Cantigas de Santa María, en Tirant lo Blanch o en la obra del Arcipreste de Hita. Del mismo modo, se conservan versiones anglonormandas y francesas. Destaca la versión alemana de Eihart von Olberg pues está conservada en su totalidad.

La versión musical de esta leyenda aparece documentada en el Manuscrito de Londres que, aunque actualmente se encuentra en el fondo de la British Library, se trata de un ejemplar copiado en el norte de Italia y adquirido por la familia Médici en 1420. Esta versión musical comienza con una danza lenta de aire melancólico llamada “Lamento”. Está unida a otra danza, la ”Rotta”, de carácter más vivo. Esta consecución de danzas era habitual en la época. No en vano, durante el renacimiento esta costumbre se mantuvo muy arraigada en Europa.

No podemos dejar de mencionar que una de las habilidades de Tristán era la de tocar el arpa, especialmente en sus encuentros amorosos con Isolda. Incluso hay versiones que aseguran que Isolda también la tañía.

Ad Mortem Festinamus (Danza macabra del Llibre Vermell Montserrat, s. XIV)

Esta danza circular con letra procede del Llibre Vermell. Es un ejemplo representativo de una curiosa y misteriosa práctica que surgió tras la peste negra que asoló Europa a mediados del s. XIV. No se trata, ni mucho menos, de una burla a la muerte. Plasma a través de la música la necesidad de dejar de pecar para evitar calamidades y castigos divinos en vida ya que, inexorablemente, el ser humano está destinado a morir. Pretende sembrar el temor a la muerte: la gran niveladora. En el manuscrito encontramos incluso una ilustración que muestra a un esqueleto dentro de un ataúd abierto.

Ad mortem festinamus, peccare desistamus. (Estribillo)

(Estrofas)
Scribere proposui de contemptu mundano ut degentes seculi non mulcentur in vano.
Iam est hora surgere a sompno mortis pravo.
Vita brevis breviter in brevi finietur mors venit velociter quae neminem veretur.
Omnia mors perimit et nulli miseretur.
Ni conversus fueris et sicut puer factus et vitam mutaveris in meliores actus
intrare non poteris regnum Dei beatus.
Tuba cum sonuerit dies erit extrema et iudex advenerit vocabit sempiterna
electos in patria prescitos ad inferna.

Vamos deprisa hacia la muerte,
dejemos de pecar (Estribillo)

(Estrofas)
Quiero escribir sobre la maldad en el mundo
no sea que el tiempo pase inútilmente.
Ha llegado el momento de despertar
de cara a la muerte,
de cara a la muerte.

La corta vida terminará pronto,
la muerte llega más rápido de lo que se cree.
Destruye todo
y no tiene misericordia.

Si no vuelves a ser como un niño
y no cambias tu vida
con mejores actos
no entrarás, feliz,
en el Reino de Dios.

Cuando resuena la trompeta,
el Día del Juicio ha llegado.
El juez aparece
y llama a los elegidos a su reino
pero los condenados, al infierno.

SEFARAD

Sefarad fue el término con el que los judíos denominaron a los territorios peninsulares en los que se establecieron durante la Edad Media.

En la tradición musical sefardí es la mujer quien posee y transmite el repertorio oral ya que el ámbito de transmisión es la propia familia. Hay otra razón de tipo social: la mujer no sabía leer ni escribir. El hombre, más instruido, actuaba en el ámbito litúrgico, cantando los textos escritos. Aprovechamos para advertir que, hasta el siglo XIX, no hay documentos con notación musical escrita, por lo tanto y a nivel estrictamente musical, nos movemos en el terreno de la recreación melódica tras siglos de tradición oral.

El rey de Francia (tradicional sefardí)

«El rey de Francia» es una melodía tradicional griega cuya letra se adaptó al ladino. Cuenta la historia de una joven que comparte un sueño con su madre. La canción gira en torno al sueño de la hija y las interpretaciones que se hacen basadas en su simbolismo.

La canción comienza presentando al rey de Francia y sus tres hijas. La hija menor es hábil en la costura y a menudo se queda dormida mientras trabaja. Su madre se da cuenta de esto y quiere saber la razón detrás de los sueños de su hija. En una conversación entre la madre y la hija, la niña revela su sueño de alegría y felicidad.

La hija describe su sueño a su madre, mencionando varios elementos simbólicos. Menciona ver la luna en su totalidad en la puerta, la estrella Diana en la ventana, y una columna dorada con tres pajaritos picoteándola cerca del pozo.

La madre procede a interpretar el sueño para su hija. Explica que la luna simboliza a su futura suegra, la estrella Diana representa a su futura cuñada, los tres pajaritos representan a sus futuros cuñados, y la columna dorada representa al hijo del rey, quien es su futuro esposo.

El significado de la canción gira en torno al sueño de la joven y la revelación de que su sueño tiene importancia para su próximo matrimonio y su entrada a la familia real. Captura la esperanza y la emoción de una joven que visualiza su futuro y la alegría que conlleva.

El Rey de Francia Tres hijas tenía , la una labrava La otra kusía
La más chika de ellas Bastidor hacía, labrando, labrando Sueño le caía
Su madre que la vía Aharvar la kería -No me aharves, mi madre Ni me aharvarías-
Un sueño me soñaba Bien y allegría, sueño vos soñabas yo vo lo soltaría»
Me aparí a la puerta vide la luna entera
Me aparí a la ventana vide la estrella Diana
Me aparí al pozo vide un pilar de oro
Kon tres pajarikos pikando el oro
La luna entera es la tu suegra
La estrella Diana es la tu kuñada
Los tres pajarikos son tus kuñadikos
Y el pilar de oro el hijo del Rey, tu novio.

Morena me llaman (tradicional sefardí)

“Morena” (o “Morenika” en otras versiones) es una de las canciones sefardíes más populares y extendidas. Se trata de una interpretación del Cantar de los Cantares del Rey Salomón, donde El Bien Amado y la Bien Amada se prometen y describen uno al otro al momento de hacer sus votos, concretamente la parte en la que ella se proclama morena por haber estado expuesta al sol. Se solía cantar en las bodas por su tono marcadamente sensual.

Morena me llaman,
yo blanca nazi,
de pasear galana
mi color perdi.

D’aquellas ventanicas
m’arronjan flechas.
Si son de amores,
vengan derechas.

Vestido de verde
y de alteli.
Qu’ansi dize la novia
con el chelibi.

Escalerica le hizo
de oro y de marfil.
Para que suba el novio
a dar qiddushim.

IPARRALDE. TIERRAS DEL NORTE.

Ponthus et Sidoine/Ürrütiko Kantorea o Cantar de Urrutia(S. XVI, trad. Zuberoa/Iparralde).

Pontus y Sidonia es una novela de caballerías en prosa, compuesta originalmente en francés hacia 1400, conocida como Ponthus et la belle Sidonie, probablemente escrita por algún miembro de la familia de La Tour Landry. La novela relata las aventuras de Ponthus, el hijo del rey de Galicia, que se enamora de Sidoine, hija del rey de Bretaña. La trama de la novela avoca a los amantes a un final trágico. Los amantes caen asaeteados en el bosque de Brocèliande. En este mismo lugar, cuenta la leyenda, creció un hermoso roble.

La melodía, que lleva el mismo nombre, es de origen incierto pues hay fuentes que aseguran que es bretona y otras que remiten a un cancionero alemán. En cualquier caso, la belleza de esta melodía evoca a la perfección la melancolía de la historia a la que hace referencia.

El Cantar de Urrutia o Ürrütiko Kantorea en euskara, nos cuenta una historia real acaecida durante el s. XV en el País Vasco-Francés. Sin embargo, el poema que la relata se escribió durante el s. XVI. Al igual que ocurre con Ponthus et Sidoine este cantar narra una historia de amor desgraciado. El poema no tiene una melodía y, es por ello, que hoy interpretamos aquí la versión que ya hiciera Enrike Solinís en su disco Euskel Antiqua, en la cual toma la melodía de “Ponthus” para musicalizar el texto del citado cantar.

Y MÁS AL NORTE…

The Witty Western Lasse / The beggar boy ( John Playford, s. XVII, Inglaterra)

“The Witty Western Lasse” es una triste balada. Cuenta la historia de una bella muchacha inglesa que, tras quedar embarazada de manera indeseada, es rechazada por su entorno. Esta melodía tiene su origen en una danza inglesa anterior que fue recogida por John Playford durante el s. XVII en su célebre libro The english dancing master. La danza original se llamaba “The beggar boy”. Las gentes que bailaban esta danza fueron asimilando la melodía, transformándola, parando su velocidad y, finalmente, le pusieron letra hasta convertirla en canción.

Sile Bheag Ní Chonnaláin (Thomas Connallon, s. XVII, Irlanda)

Thomas Connellan es el autor de esta bella melodía. Fue un brillante arpista y compositor irlandés. La letra que escucharemos está cantada en gaélico irlandés. Esta es una canción de amor que habla del anhelo de estar en el brezal con la mujer que es “más blanca y suave que la seda o las plumas de las aves”.

King of The Blind (Anónimo S. XVII, Irlanda)

Turlough O’ Carolan fue un músico ambulante, arpista y cantante ciego considerado por algunos como el mayor compositor irlandés, el músico nacional y el último bardo. En su música incorporaba tanto las raíces populares como las tendencias de la música culta continental. Dejó un buen número de piezas instrumentales y canciones para las que él mismo escribía la letra. Desde niño tuvo especial facilidad para la poesía. Con 18 años la viruela le dejó ciego y fue entonces cuando su patrona le proporcionó la formación necesaria para ejercer como arpista y tener una profesión. Desde entonces O´Carolan recorrió Irlanda a lo largo y ancho buscando mecenazgo, componiendo y actuando en fiestas, bodas y funerales.

La pieza “King of the Blind” es anónima y contemporánea a Turlough O´Carolan. Aunque el oficio de músico y, particularmente, el de arpista era muy habitual en la Irlanda del s. XVII, la relevancia del citado autor nos induce a pensar que esta pieza está dedicada a él como el más importante de los arpistas ciegos de la época.

Edward Corcoran (Turlough O’ Carolan, s. XVII, Irlanda) / An dro (tradicional Bretaña).

Esta pieza instrumental fue compuesta por O´Carolan para homenajear al soldado Edward Corcoran, el cual luchó con valentía en el cerco de Limerick durante 1690.

Dicho tema instrumental va unido a modo de “set” a un “An dro”. El “An Dro” es una danza circular que proviene de la Bretaña francesa, aunque tiene muchas similitudes con otras que se bailan en Irlanda. Esto hace pensar que su origen pueda ser celta, es decir prerromano. Por ello también a menudo vinculamos entre sí ciertas melodías propias de algunas regiones atlánticas, atribuyéndoles características comunes y hablando, por tanto, de una tradición céltica.

Lo cierto es que, como sucede con gran parte de la música tradicional, es difícil afirmar nada al respecto y atendiendo a los elementos musicales (melodía, forma, modo, etc) es mucho más probable que su musical origen sea medieval pues la forma binaria de danza AA’BB’ es habitual en la mayoría de danzas medievales y renacentistas, aunque por supuesto pudiera ser que haya sufrido cambios con el tiempo, pues la trasmisión oral produce variantes involuntarias y versiones que se complementan.